He tenido un interés intermitente en el arte durante varios años, pero nunca he tenido ninguna educación formal sobre el tema. A través de los años, mis intereses y gustos han crecido a través de mi exposición continua a diferentes obras en exhibición en los muchos museos que he visitado a lo largo de mis viajes. Me he dado cuenta de que a menudo soy incapaz de articular por qué aprecio o me atraen ciertas obras de arte. A diferencia de mi educación literaria que me enseñó cómo articular mi aprecio o disgusto por ciertas artes lingüísticas, me doy cuenta de que mi gusto por las artes visuales es más parecido a un paladar que ha crecido con la edad y la exposición a ingredientes y preparaciones de calidad. Ciertos alimentos simplemente saben bien, algunos son terribles y, a veces, ciertos alimentos que sabían bien para una versión más joven de mí mismo son indeseables para mi paladar actual. Lo mismo puede decirse de las artes visuales: algunas de ellas me hablan con inspiración que ilumina una belleza esencial y otras son insípidas y sin sentido, y algunas de ellas que me encantaron en mi juventud no me interesan tanto. ahora.
Con mi visita más reciente a Francia en noviembre pasado, tuve el afortunado placer de sumergirme profundamente en las extensas colecciones que se exhiben en esta ciudad amante del arte. Seguí un desafío ambicioso para explorar el Louvre, el Musee d’Orsay y el Centro Pompidou en sucesión cronológica durante dos días. Ver la transición del arte a través del tiempo de lo antiguo al renacimiento, al barroco y luego al impresionista y postimpresionista y finalmente a las obras abstractas modernas y postmodernas fue una experiencia esclarecedora. Ver una cantidad tan grande de obras de diferentes períodos históricos mejoró mi apreciación de la transición en los estilos artísticos a través de las épocas.
Esta experiencia había despertado un aprecio por el arte desde hace mucho tiempo, y poco después de mi viaje me encontré hojeando los libros de arte en mi librería local, con la esperanza de ampliar aún más mi conocimiento de las muchas obras geniales que tenía frescas en la mente. Descubrí La historia del arte de Gombrich e investigué que era una introducción completa al arte a través de los tiempos. El libro fue escrito en 1950 y posteriormente ha sido reeditado muchas veces a lo largo de las décadas posteriores para proporcionar una reevaluación continua de las transiciones del experimentalismo posmoderno y abstracto durante la segunda mitad del siglo.
Desde el principio, diré que La historia del arte es una lectura muy entretenida y educativa, pero solo si el lector perdona la perspectiva eurocéntrica del autor de la década de 1950. Los primeros capítulos del libro exploran las “artes primitivas” y hacen algunas generalizaciones audaces y generales que comparan las pinturas rupestres del Neolítico con las artes semimodernas de los nativos americanos y polinesios y las africanas precoloniales. En estas generalizaciones decepcionantes, Gombrich no reconoce la profundidad y complejidad de las culturas maya, azteca o inca y compara todas estas culturas como simples pueblos primitivos a pesar de la evidencia de su capacidad para construir estructuras impresionantes construidas en alineación con una rica apreciación de la astrología. patrones y las estaciones anuales que siguen en pie hasta el día de hoy. Además de la ignorancia límite hacia los “primitivos”, Gombrich solo dedica un capítulo de este libro de 28 capítulos a explorar la historia del arte tanto del Islam como del arte asiático, y esta escasa generalización de una rica historia cultural hace un gran flaco favor a los linajes culturales. que han poblado e influenciado con éxito una parte significativa del mundo.
Sin embargo, con estas limitaciones señaladas como una iluminación de que la Historia del arte es realmente la Historia del arte europeo , el lector puede apreciar este libro por lo que realmente es, una exploración profunda de calidad de la progresión de la forma de arte visual a través de la principales culturas de la región euromediterránea. El estilo de escritura es conversacional y atractivo: equilibra hábilmente la línea fina requerida para explicar diversos conceptos históricos y estilos artísticos sin caer en una simplificación excesiva del tema. Hay hermosos grabados de las obras de arte en discusión presentados en prácticamente todas las páginas del texto y rara vez se representa a un artista más de una vez, con la excepción de los gigantes del genio artístico como Da Vinci, Miguel Ángel y Picasso, cada uno de los cuales tiene varios páginas dedicadas. En general, el libro proporciona una amplia profundidad de obras artísticas para lograr su objetivo principal, presentar la progresión y la influencia de la historia en el presente a través de transiciones de estilo.
Ignorando la digresión innecesaria y vergonzosa sobre el arte primitivo, la historia del arte comienza con una exploración de la civilización antigua más prominente, el antiguo Egipto. Gombrich proporciona una interesante explicación del estilo único de las figuras egipcias que muestran el rostro, los brazos y los pies de perfil, pero el cuerpo mirando hacia delante, presentando las formas mejor idealizadas conocidas por los artistas de la época. Gran parte del arte de este período tiene un estilo similar debido a una expectativa idealizada de cómo deberían aparecer las imágenes. Esta idealización fue perpetuada por una tradición que dependía de la creación de arte con fines religiosos destinados principalmente a ser vistos por la realeza en los espacios sagrados de sus tumbas.
La historia transita como lo hace la historia, explorando la influencia de las nuevas civilizaciones en los movimientos artísticos de las culturas predominantes, avanzando a través de las tradiciones griegas y romanas y luego retrocediendo durante las “edades oscuras” y luego despertando con gloria en el renacimiento. Por supuesto, la historia no es tan simple como esa generalización de la progresión de la historia; hay influencias sutiles de una cultura sobre otra que transforman los estilos del lienzo, la escultura y la arquitectura. El pie de perfil y la cara del lienzo egipcio se transformaron gradualmente en pies orientados hacia adelante en las urnas griegas y finalmente se convirtieron en los retratos hiperrealistas y altamente idealizados de los maestros de Rafael y Da Vinci. Ciertamente, hubo genios que se destacaron a lo largo de los siglos, pero las tendencias generales de la expresión artística fueron una progresión de influencias.
A través de sus muchos ejemplos, Gomrich argumenta que con los logros del renacimiento europeo mostrando un pináculo en el potencial de la belleza artística, los estilos comenzaron a divergir en tangentes experimentales que finalmente llevaron a los impresionistas y maestros únicos como Van Gogh y Cezanne. Aunque había escuelas de pensamiento artístico que inicialmente ridiculizaban cada nuevo experimento herético, la experimentación era una necesidad inevitable para empujar los límites de la expresión humana a través de formas de arte y, en última instancia, los nuevos estilos influyeron aún más en la expresión de nuevos estilos.
Por supuesto, mi resumen es un resumen de muy alto nivel y excesivamente simplificado de un libro de 600 páginas que académicamente presenta una progresión general de varios miles de años de progresión artística. Un tema importante a extraer de esta historia es la comprensión del cambio en el significado y la relación de la forma de arte visual con el espectador de la forma de arte. A través de las edades, el arte tuvo principalmente una intención religiosa, brindando un medio para comunicar ideas e ideales al espectador.
El arte no siempre estuvo destinado a los museos, sino que se ubicó principalmente en lugares de culto o con fines prácticos. A medida que los estilos regionales comenzaron a desarrollarse, las escuelas y estudios regionales enseñarían estilos a los aprendices y se crearían piezas no religiosas para apaciguar a los benefactores. A medida que cambiaron las ideas sobre la religión, sobre todo a través de la Reforma protestante, los estilos religiosos disminuyeron y se pusieron de moda estilos más seculares. Además, a medida que la sociedad cambió, con una creciente idealización de la individualidad, el artista se volvió menos capaz de ser contratado para un aprendizaje. El último desarrollo del cubismo, el surrealismo y la abstracción de vanguardia fueron una progresión inevitable de la relación cambiante del artista como una especie de celebridad. Todo esto es, por supuesto, una progresión continua, pero al leer el libro de Gombrich, tengo una mejor apreciación del arte “moderno” como parte de una historia más amplia.
Además de proporcionar una comprensión general enriquecida de la historia del arte, mientras leía este libro me encontré hiperconsciente de la influencia de la historia en el arte que me rodea. Además de una extensa evaluación de la pintura y la escultura, Gombrich proporciona un resumen de la arquitectura como forma de arte a lo largo de cada época y mientras leía este libro me encontré más consciente de las influencias de los diferentes tipos de columnas o fachadas decorativas en la variada arquitectura de mi paisaje urbano de San Francisco.
Sin embargo, después de leer este libro, no me encuentro más capaz de articular cómo me habla un determinado estilo, artista o pieza en particular. Sin embargo, tengo una mayor apreciación de cómo Van Gogh, Magritte o Monet encajan en el ámbito más amplio de la historia artística que incluye a Rimbaud, Murillo o Caravaggio. Al mirar una obra de arte en particular, ahora siento que tengo una comprensión más amplia de lo que una pieza puede haber estado diciendo al espectador de su época contemporánea con respecto al telón de fondo de la historia y la influencia.
“No debemos olvidar que el arte es completamente diferente a la ciencia. Los medios del artista, sus dispositivos técnicos, pueden desarrollarse, pero difícilmente puede decirse que el arte mismo progrese en la forma en que progresa la ciencia. Cada descubrimiento en una dirección crea una nueva dificultad en otra parte”. (262) – EH Gombrich